dessin et peinture

Fardoise nous dit :

En mémoire de Lady Marianne...  Elle a fait de ce challenge ce qu'il est aujourd'hui et nous le poursuivrons sous l'intitulé :

"Le week-end, un thème, un tableau"

Chaque week-end nous publions un tableau sur un thème donné pour deux semaines, une manière ludique de découvrir la peinture,  et de partager,  

nous disons pourquoi il nous touche,  

et quelques mots sur l'artiste.

Lilou nous dit:C'est le moment de choisir vos prochaines vacances parque les réservations vont bon train.

Que préférez vous la montagne, la campagne ou la mer où au détour d'une rando ou une simple balade on découvre des petits villages pittoresques ou pas !

J'ai choisi ce tableau de Louis Clesse:

"La forêt"

Louis Clesse ne en 1889 à Ixelles, mort en 1961. Peintre de paysages, de natures mortes et de vues de port. Après ses études à l'académie d'Ixelles, Clesse travailla dans l'atelier de décoration du peintre P. Hermanus. A partir de 1907, il prit part aux salons belges et étrangers. Il eut également plusieurs expositions personnelles. Les forêts aux alentours de Bruxelles, la côte belge, le nord de la France et les polders constituent ses sujets de prédilection."" Son style est proche de l'impressionnisme d'un I. Verheyden et d'un F. Courtens.

Fardoise nous dit :

En mémoire de Lady Marianne...  Elle a fait de ce challenge ce qu'il est aujourd'hui et nous le poursuivrons sous l'intitulé :

"Le week-end, un thème, un tableau"

Chaque week-end nous publions un tableau sur un thème donné pour deux semaines, une manière ludique de découvrir la peinture,  et de partager,  

nous disons pourquoi il nous touche,  

et quelques mots sur l'artiste.

Lilou nous dit:C'est le moment de choisir vos prochaines vacances parque les réservations vont bon train.

Que préférez vous la montagne, la campagne ou la mer où au détour d'une rando ou une simple balade on découvre des petits villages pittoresques ou pas !

J'ai choisi ce tableau de Robynne Hardison :

"Uluru - Ayers Rock"

Je retournerais bien dans le centre rouge d'Australie:

Je vous invite à me suivre: ICI

Fardoise nous dit :

En mémoire de Lady Marianne...  Elle a fait de ce challenge ce qu'il est aujourd'hui et nous le poursuivrons sous l'intitulé :

"Le week-end, un thème, un tableau"

Chaque week-end nous publions un tableau sur un thème donné pour deux semaines, une manière ludique de découvrir la peinture,  et de partager,  

nous disons pourquoi il nous touche,  

et quelques mots sur l'artiste.

Elle nous dit:

La seconde moitié du mois de mai comporte encore trois samedis, j'ai donc choisi de vous proposer un thème large et un peu fourre-tout

les peintres et le point de vue

J'ai choisi ce tableau de Canaletto:

C'est un tableau réalisé par le peintre italien Giovanni Antonio Canal dît Canaletto. Il a fallu 2 ans à l'artiste pour le réaliser : débutée en 1726, sa réalisation prend fin en 1728. Canaletto a utilisé de la peinture à l'huile sur sa toile de 45 cm de hauteur sur 73 cm de large; celle-ci est généralement exposée au musée des Offices de Florence. Ce tableau est un paysage qui représente le Grand Canal de Venise vu depuis le palais Balbi jusqu'au pont du Rialto.

Giovanni Antonio Canal, plus connu sous le nom de Canaletto, est un peintre et graveur vénitien célèbre pour ses panoramas de Venise. Il est l'un des représentants les plus importants, avec Bernardo Bellotto et Francesco Guardi, du « védutisme » italien

Fardoise nous dit :

En mémoire de Lady Marianne...  Elle a fait de ce challenge ce qu'il est aujourd'hui et nous le poursuivrons sous l'intitulé :

"Le week-end, un thème, un tableau"

Chaque week-end nous publions un tableau sur un thème donné pour deux semaines, une manière ludique de découvrir la peinture,  et de partager,  

nous disons pourquoi il nous touche,  

et quelques mots sur l'artiste.

Elle nous dit:

La seconde moitié du mois de mai comporte encore trois samedis, j'ai donc choisi de vous proposer un thème large et un peu fourre-tout

les peintres et le point de vue

J'ai choisi ce tableau de Caspar David Friedrich

" Le Voyageur contemplant une mer de nuages, 1818"

Avec cette œuvre, nous assistons à la rencontre entre l'homme et l'infini. Et le contraste entre les deux est frappant. Le premier plan est bien plus sombre que l'arrière-plan, créant une impression de vide pictural. On peut presque sentir le gouffre vertigineux qui s'étend sous les pieds de cet homme solitaire. La profondeur artistique et spirituelle de cette œuvre donne cette sensation singulière de regarder à travers une fenêtre.

Ce paysage, à la fois romantique et irrationnel, nous transporte vers un ailleurs, un lieu que chacun est libre d'interpréter à sa manière. Cet ailleurs est, en réalité, une introspection. Si le paysage est si prédominant dans la peinture romantique, c'est parce qu'il se veut le reflet du paysage intérieur de l'observateur.

Peintre emblématique du romantisme allemand du XIXe siècle, Caspar David Friedrich est né le 5 septembre 1774 à Greifswall en Allemagne. Touché par la mort de plusieurs membres de sa famille alors qu'il est encore très jeune - sa mère et sa sœur en 1781, son frère en 1787 et sa seconde sœur en 1791 -, il se lance dans la peinture comme exutoire de ces sombres années. La mort apparaît alors comme l'un des thèmes les plus présents au sein de son oeuvre. Caspar David Friedrich étudie tout d'abord de 1794 à 1798 à l'Académie royale de Copenhague, où il est très fortement influencé par la mythologie nordique dans ses travaux. Par la suite, il devient paysagiste à Dresde. Mais la simple étude de la nature ne l'intéresse pas, et il essaie d'insuffler à ses tableaux une signification spirituelle et mystique. Le peintre approfondit ses recherches à travers une correspondance abondante avec le philosophe Goethe, qui l'inspire grâce à son "Traité des couleurs" publié en 1810. Caspar David Friedrich devient membre de l'Académie de Berlin, et rencontre dans cette ville un grand succès, bien que de courte durée. Il tombe malade en 1824, et son état ne fera que s'aggraver, faisant du peintre un grand solitaire. Ses thèmes de prédilection, la nature et la mort, lui resteront jusqu'à sa propre fin, le 7 mai 1840 à Dresde en Allemagne.

Fardoise nous dit :

En mémoire de Lady Marianne...  Elle a fait de ce challenge ce qu'il est aujourd'hui et nous le poursuivrons sous l'intitulé :

"Le week-end, un thème, un tableau"

Chaque week-end nous publions un tableau sur un thème donné pour deux semaines, une manière ludique de découvrir la peinture,  et de partager,  

nous disons pourquoi il nous touche,  

et quelques mots sur l'artiste.

Fardoise nous dit: 

Une tradition qui semble vieille comme le monde et qui célébrait le retour de la vie dans la nature. Les Romains fêtaient Maïa, déesse de la fertilité, et c'est devenu tout naturellement, si j'ose dire, la fête de Marie au Moyen Age. Le roi Charles IX offrait du muguet et cette petite fleur est entrée dans notre histoire pour accueillir le mois de mai. Mais c'est en dansant autour d'un arbre de mai que l'on fêtait la résurrection de la nature. Ces danses étaient censées favoriser la fertilité des terres et assurer de bonnes récoltes pour l’année à venir.

Mais c'est le muguet qui a gagné et offrir un brin de muguet, ou plusieurs, c'est offrir un peu de bonheur

J'ai choisi ce tableau de Mathys Schoevaerdts:

"La fête de l'arbre de mai"

Mathys Schoevaerdts était un peintre flamand dont les paysages panoramiques et lumineux se situent dans la tradition de Jan Brueghel l'Ancien. Il est né vers 1665, sans doute à Bruxelles, où son frère Frans, lui aussi peintre, était toujours actif vers 1704. En 1682, Mathys Schoevaerdts était l'élève du paysagiste Adriaen Frans Boudewyns (1644-1711) et en 1690 il devint maître de la guilde de Saint-Luc. De 1692 à 1696 il fut doyen de cette guilde.
Schoevaerdts était un spécialiste des paysages où se déroulent des évènements, des scènes délicatement peintes où des paysans voyagent, naviguent ou fréquentent des kermesses. Ses groupes sont individualisés, observés avec finesse. S'y glisse parfois une note de fantaisie : dans certaines scènes villageoises apparaissent des marchands en exotiques costumes turcs. Il peignait avec une palette claire et lumineuse et nombre de ses paysages présentent des compositions ouvertes sur des ciels crépusculaires ou les lointaines silhouettes bleues des montagnes. Il était également un suiveur assidu de Jan Brueghel de Velours, aux côtés de Pieter Gijsels et Théobald Michau.
Les dernières oeuvres de Schoevaerdts, représentant des ports et des ruines italiens, sont influencées par les artistes hollandais et flamands qui travaillaient à Rome.
Ce tableau illustrant la vie des gens en Flandres au XVIIe siècle, nous invite à participer à la fête de l’arbre de mai, une célébration traditionnellement tenue en mai pour le retour de la frondaison.
Cette kermesse villageoise est intégrée dans un paysage imaginaire où le littoral aux dégradés des verts et des bleus contraste avec les ocres de la terre et les couleurs chatoyantes des vêtements des villageois.
Cette union de genres, typique de l’époque, est l’occasion pour le peintre d’afficher ses talents multiples, la profusion de details pour les personnages et la maîtrise des fondus et des dégradés pour ce paysage de bord de mer et le lointain mystérieux qui s’ouvre sur le monde.
L’activité commerciale au port continue malgré les festivités. Les barques de pécheurs entrent et sortent, un groupe de marchands orientaux reconnaissables a leurs turbans discutent avec des commerçants locaux, les autres sont parsemés dans le paysage vaquant à leurs activités.
A gauche, les cavaliers arrivent devant l’auberge, où les villageois se regroupent, discutent dans l’atmosphère générale de jovialité.
Deux musiciens jouent du violon et de la flute, tandis que le groupe de danseurs tournent autour du mât, décoré pour l’occasion des deux couronnes feuillagées aux rubans multicolores.
Le paysage aux notes bleu indigo et vert turquoise sert de fond a ce fourmillement festif et commercial, englobant la multitude de personnes.
Les collines montagneuses aux gris bleutés s’estompent dans le ciel, tandis que la mer couleur vert bleu au premier plan se dissipe afin de rejoindre la ligne de l’horizon dans le lointain brumeux, illuminé par les rayons du soleil.
Des barques et les pécheurs dans l’eau sont minutieusement peints, des coups de pinceaux tres fins et subtiles, affichant une maitrise et le soin apporté aux détails de l’artiste. Meme les figures les plus éloignées au dessin plus graphique sont rehaussées de blanc.
Un grand arbre au tronc déformé occupe le côté droit, le feuillage minutieusement peint aux teintes allant d’un vert automnal aux nuances chaudes sous effet de la lumiere au vert-bouteille dans l’ombre.
La lumière venant de gauche, illumine la scène et crée des zones d’ombres favorisant les contrastes et l’intensité des couleurs. Le ciel bleu jaune semble dégager la chaleur et équilibre la palette froide des bleus verts de la mer.

Peinture à l'huile de 20x20cm, œuvre originale et unique de C. Ceballos.

Fardoise nous dit :

En mémoire de Lady Marianne...  Elle a fait de ce challenge ce qu'il est aujourd'hui et nous le poursuivrons sous l'intitulé :

"Le week-end, un thème, un tableau"

Chaque week-end nous publions un tableau sur un thème donné pour deux semaines, une manière ludique de découvrir la peinture,  et de partager,  

nous disons pourquoi il nous touche,  

et quelques mots sur l'artiste.

Fardoise nous dit: 

Une tradition qui semble vieille comme le monde et qui célébrait le retour de la vie dans la nature. Les Romains fêtaient Maïa, déesse de la fertilité, et c'est devenu tout naturellement, si j'ose dire, la fête de Marie au Moyen Age. Le roi Charles IX offrait du muguet et cette petite fleur est entrée dans notre histoire pour accueillir le mois de mai. Mais c'est en dansant autour d'un arbre de mai que l'on fêtait la résurrection de la nature. Ces danses étaient censées favoriser la fertilité des terres et assurer de bonnes récoltes pour l’année à venir.

Mais c'est le muguet qui a gagné et offrir un brin de muguet, ou plusieurs, c'est offrir un peu de bonheur

J'ai choisi ce tableau de Pieter Bruegel le Jeune:

Pieter Brueghel le Jeune (1564 ou 1565-1510 Octobre 1636) était un peintre flamand, connu pour de nombreuses copies après que son père Pieter Brueghel l'Ancien peintures et surnommé "l'enfer Brueghel" pour ses traitements fantastique de feu et de l'imagerie grotesque.

Pieter Brueghel le Jeune était le fils aîné du célèbre du XVIe siècle néerlandais peintre Pieter Brueghel l'Ancien (connu sous le nom "Brueghel paysanne») et Mayken Coecke van Aelst. Son père est mort en 1569, quand la jeune Pieter a seulement cinq ans. Puis, après la mort de sa mère en 1578, Pieter, avec son frère Jan Brueghel l'Ancien («Velvet Brueghel») et sa sœur Marie, est allé vivre avec leur grand-mère Mayken Verhulst (veuve de Pieter Coecke van Aelst). Elle était une artiste dans son propre droit, et selon Carel van Mander, possiblement le premier enseignant des deux fils. La famille déménagea à Anvers, quelque temps après 1578 et Pieter éventuellement entré dans le studio du peintre paysagiste Gilles Coninxloo van (1544-1607). Dans le registre de la Guilde 1584/1585 de Saint Luc, "Peeter Brugel" est répertorié comme un maître indépendant. Le 5 Novembre 1588, il épousa Elisabeth Goddelet, et le couple eut sept enfants.

Il peint des paysages, sujets religieux et peintures de fantaisie. Pour cette dernière catégorie qu'il a souvent fait usage du feu et de figures grotesques, conduisant à son surnom de "l'enfer Brueghel".

En dehors de ces peintures de sa propre invention, Pieter Brueghel le Jeune a également copié les œuvres de son père avait créée en utilisant une technique appelée picotage. Ses peintures de genre de paysans manquent de subtilité Pieter l'Ancien et de l'humanisme, et de souligner le pittoresque

Hans Zatzka (1859-1945) "Lily of the valley in the glass"

Fardoise nous dit :

En mémoire de Lady Marianne...  Elle a fait de ce challenge ce qu'il est aujourd'hui et nous le poursuivrons sous l'intitulé :

"Le week-end, un thème, un tableau"

Chaque week-end nous publions un tableau sur un thème donné pour deux semaines, une manière ludique de découvrir la peinture,  et de partager,  

nous disons pourquoi il nous touche,  

et quelques mots sur l'artiste.

Lilou nous dit: on va enfin sortir des poires, des pommes et des oranges. Fruits de printemps voilà de quoi satisfaire les papilles:

les fruits de saison

J'ai choisi ce tableau de Eloise Harriet Stannard:

Panier renversé avec fraises et des cerises

Eloise Harriet STANNARD est une artiste née au Royaume-Uni en 1829 et morte en 1915.Eloise Harriet Stannard était une peintre britannique du XIXe siècle connue pour ses natures mortes. Elle était l'une des deux seules femmes artistes notables associées à la Norwich School of Painters, le premier mouvement artistique provincial de Grande-Bretagne-

Fardoise nous dit :

En mémoire de Lady Marianne...  Elle a fait de ce challenge ce qu'il est aujourd'hui et nous le poursuivrons sous l'intitulé :

"Le week-end, un thème, un tableau"

Chaque week-end nous publions un tableau sur un thème donné pour deux semaines, une manière ludique de découvrir la peinture,  et de partager,  

nous disons pourquoi il nous touche,  

et quelques mots sur l'artiste.

Lilou nous dit: on va enfin sortir des poires, des pommes et des oranges. Fruits de printemps voilà de quoi satisfaire les papilles:

les fruits de saison

J'ai choisi ce tableau de Eloise Harriet Stannard:

Panier renversé avec framboises et groseilles blanches

Eloise Harriet STANNARD est une artiste née au Royaume-Uni en 1829 et morte en 1915.Eloise Harriet Stannard était une peintre britannique du XIXe siècle connue pour ses natures mortes. Elle était l'une des deux seules femmes artistes notables associées à la Norwich School of Painters, le premier mouvement artistique provincial de Grande-Bretagne-

Fardoise nous dit :

En mémoire de Lady Marianne...  Elle a fait de ce challenge ce qu'il est aujourd'hui et nous le poursuivrons sous l'intitulé :

"Le week-end, un thème, un tableau"

Chaque week-end nous publions un tableau sur un thème donné pour deux semaines, une manière ludique de découvrir la peinture,  et de partager,  

nous disons pourquoi il nous touche,  

et quelques mots sur l'artiste.

Lilou nous dit: 

le violet

le violet est une couleur secondaire qui se décline à l’envie. Elle est apparue tardivement. A croire que les peintres ne connaissaient les spectres des couleurs. Qu’importe je ne ferai pas une thèse sur le sujet.

Parmi elles, le violet est devenu emblématique des artistes modernes comme Robert Delaunay. C’est suite à la synthèse accidentelle du colorant mauvéine par le chimiste Henry Perkin en 1856 que le violet devient l’une des couleurs les plus en vogue chez les peintres.

J'ai choisi ce tableau de Laurent Folco:

"Violette" (2018)

Artiste contemporain, Laurent Folco est né en France en 1982.

Folco puise son inspiration dans l'ère cubiste, comme en témoignent ses références claires.

Il affiche véritablement son respect pour cet art avec un regard nouveau et moderne.

La dimension actuelle de l'artiste est formée et entretenue par la manifestation spontanée des formes, comme le montrent ces portraits féminins modernistes.

Pour la galerie d'art Robert Deniau, Laurent a créé des oeuvres originales faites de rythme, de couleurs et de mouvement inspirées par les maîtres de l'art cubiste.

• Mars 2016 : Le talent de Laurent a été rapidement reconnu lorsqu'il a remporté le 1er prix à l'exposition concours organisée par le Musée Archéologique de Nice, sur le thème captivant des thermes antiques.
• Peu après, il a participé à l'exposition de clôture du festival de Mars aux musées au Musée d'Art Naïf Anatole Jakovsky à Nice, consolidant sa présence dans la scène artistique niçoise.
• L'été 2016 a vu Laurent étendre son influence avec une exposition à l'atelier d'encadrement Vilar à Béziers, suivie par sa participation à la première édition du marché d'art de Noël à la Galerie Origin Fontaine.
• En 2017, Laurent a franchi une nouvelle étape en exposant à l'Accademia Fine Art à Monaco, participant à une vente aux enchères d'art moderne et contemporain très attendue.
• 2019 a été marquée par une collaboration innovante avec Diffazur Piscines et l'agence Digit Addict, créant une nouvelle page presse qui a été présentée dans plusieurs magazines de décoration en France.
• Cette même année, il a établi un partenariat avec Agora Clothing à Londres, démontrant son aptitude à fusionner l'art avec la mode
• La reconnaissance de son travail a continué de croître, comme en témoigne sa parution dans le célèbre magazine Harper's Bazaar Espagne en 2022, célébrant l'actrice Rossy de Palma.
• La fin de 2022 et le début de 2023 ont été marqués par une exposition permanente à la Galerie Robert Deniau à Mougins et une exposition temporaire au restaurant Le Repère à Mandelieu-la-Napoule.
• En 2023, Laurent a collaboré avec La Touche Originale, fabricant français de papier peint, soulignant sa capacité à infuser l'art dans notre quotidien.

Fardoise nous dit :

En mémoire de Lady Marianne...  Elle a fait de ce challenge ce qu'il est aujourd'hui et nous le poursuivrons sous l'intitulé :

"Le week-end, un thème, un tableau"

Chaque week-end nous publions un tableau sur un thème donné pour deux semaines, une manière ludique de découvrir la peinture,  et de partager,  

nous disons pourquoi il nous touche,  

et quelques mots sur l'artiste.

Lilou nous dit: 

le violet

le violet est une couleur secondaire qui se décline à l’envie. Elle est apparue tardivement. A croire que les peintres ne connaissaient les spectres des couleurs. Qu’importe je ne ferai pas une thèse sur le sujet.

Parmi elles, le violet est devenu emblématique des artistes modernes comme Robert Delaunay. C’est suite à la synthèse accidentelle du colorant mauvéine par le chimiste Henry Perkin en 1856 que le violet devient l’une des couleurs les plus en vogue chez les peintres.

J'ai choisi ce tableau de Pál Szinyei Merse:

"Femme en Violet"

Pál Szinyei Merse était un peintre hongrois né le 4 février 1845 à Chropov, dans l'Empire d'Autriche (aujourd'hui en Slovaquie) et décédé le 2 février 1920 à Jernye, en Hongrie. Reconnu comme l'un des premiers représentants de l'impressionnisme en Europe centrale, il a joué un rôle clé dans le développement de l'art moderne hongrois.

Sa formation artistique débuta à l'Académie des Beaux-Arts de Munich où il étudia sous la direction d'Alexander Wagner et Karl von Piloty. Au cours de ses années d'étude, il se lia d'amitié avec Mihály Munkácsy, un autre artiste hongrois de renom. Le style de Szinyei Merse était initialement influencé par le romantisme, mais il évolua rapidement vers l'impressionnisme, notamment après son séjour à Paris.

Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve "Le Balloon" (1878), qui est souvent considéré comme son premier tableau impressionniste. Ce tableau marque un tournant dans sa carrière, illustrant son passage d'un style académique à une approche plus libre et plus axée sur la lumière et la couleur.

Sa carrière fut temporairement interrompue par la politique. Szinyei Merse s'engagea dans la vie publique et politique, devenant membre du Parlement hongrois. Ce n'est qu'après son retrait de la politique qu'il reprit la peinture, continuant à expérimenter avec la lumière et la couleur et à jouer un rôle influent dans le cercle artistique hongrois.

Szinyei Merse est décédé en 1920, laissant derrière lui un héritage artistique qui continue d'influencer et d'inspirer les artistes hongrois et européens. Son approche innovante de la couleur et de la lumière a établi une base solide pour l'évolution de l'impressionnisme en Hongrie.